Le Caravage

Il associe le réalisme à un art stylisé comme l’attestent, dans la Madone des pèlerins, la grâce et la beauté de la Vierge, opposées à la pauvreté et à la rusticité des paysans au visage usé et ridé, la simplification des mains et des pieds des paysans et la symbolique du bâton mué en «bâton de  » lumière « . Dans une œuvre comme la Mort de la Vierge, il ose représenter  » la Vierge comme une simple femme du peuple, saisie dans la mort, sans que sa dimension spirituelle en soit altérée.

Les dernières toiles monumentales, tragiques, sobres et austères, révèlent des espaces nus et sans décorum, sans drapé rouge; elles sont plongées dans une monochromie de bruns ou des demi-teintes terreuses brun-rouge, «comme coulées dans le bronze» (R. Longhi). Le Caravage se sert de la préparation brune, de l’alternance des parties claires et sombres, comme éléments de lumière et d’obscurité ; la lumière devient sourde et feutrée. La technique se fait plus lâche, plus rapide, elle montre une grande économie de moyens.

Très connu et peu apprécié par ses contemporains, autant pour sa vie dissolue que pour ses œuvres, sauf de quelques connaisseurs, le Caravage crée une nouvelle esthétique qui connaît un succès immense : son art est copié, interprété par plusieurs dizaines d’artistes européens pendant plus de trente ans.

Le caravagisme s’éteint avec le caravagesque français Valentin de Boulogne (mort en 1632).

Cependant, des artistes plus tardifs auront une période caravagesque (L. Giordano). Oubliée, son œuvre est redécouverte dans les années 1930 par R. Longhi, qui lui consacre un ouvrage en 1952.

Le Caravage rompt brutalement avec le maniérisme. Il crée un art révolutionnaire dominé par le réalisme populaire et un clair-obscur personnel.

Le peintre crée un nouveau répertoire thématique et formel. Dans sa période de jeunesse, il interprète librement les schémas iconographiques traditionnels (Bacchus), peint la première nature morte de l’histoire de la peinture traitée pour elle-même (la Corbeille de fruits) et représente les saints comme de simples gens du peuple. Dans sa période de maturité, il peint les sujets religieux comme des scènes de genre (la Vocation de saint Matthieu), sans souci des conventions de l’époque – ni Dieu, ni ciel, ni mouvement. Il ose montrer la Vierge morte, le corps enflé, les jambes découvertes (la Mort de la Vierge).

Il ne réalise pas de dessin préparatoire mais applique directement la couleur sur la toile. À la fin de sa vie, il utilisera la couche de préparation comme élément plastique.

Le Caravage révolutionne le clair-obscur comme moyen d’expression plastique dont la portée est émotionnelle.

Il s’affranchit ainsi de la dichotomie dessin-couleur.